Illuminine
Es ist unmöglich, Illuminines hypnotisches drittes Album mit dem einfachen Titel #3 irgendetwas anderes als unsere volle Aufmerksamkeit zu schenken – sofort werden wir tief in einen Ozean aus Wachträumen und Melancholie, Weichheit und Schmerz geschickt, eine sanfte, süße, langsame Verbindung, die sich wie Algen in den Wellen verwirrt und entwirrt. Es gibt keinen Weg zurück – nur hindurch.
Der flämische Komponist Kevin Imbrechts, der Künstler hinter Illuminine, vermischt geschickt Neoklassik mit Post-Rock-Einflüssen – und nachdem das Album im Studio Sundlaugin (Sigur Ròs) gemischt wurde, kann man durchaus Verbindungen zwischen den beiden Bands erkennen – aber die Musik, die Imbrechts hier macht, ist etwas ganz Besonderes. Frühere Arbeiten haben Vergleiche mit Nils Frahm, Bon Iver und Ólafur Arnalds herangezogen, obwohl Imbrechts zugibt, dass er eher von den avantgardistischen Buckethead beeinflusst ist und erklärt, dass Electric Tears „meine erste Erfahrung mit langsamer, instrumentaler Gitarrenmusik“ war.
Das weitgehend instrumentale Album #3 ist ein zutiefst persönliches Werk, das den emotionalen Zustand des Komponisten in den vergangenen zwei Jahren widerspiegelt – Imbrechts geht offen mit der Tatsache um, dass es sich um „ein sehr dunkles Kapitel in meinem Leben handelt: Es geht um den Umgang mit meiner Angststörung und darum, eine Asperger Diagnose zu akzeptieren. Dieses Album zu schreiben war die bestmögliche Therapie. Jedes Lied reflektiert einen bestimmten Moment, es ist ein einzigartiges Zeitdokument“, sagt er. „Mein geheimes Tontagebuch.“
Worte sind nicht nötig, um die Emotionen hinter den Songs zu erahnen, auch wenn die sanften Vocals von Hannah Corinne auf ‚Dying Flame‘ und ‚Fright‘ eine willkommene Präsenz entwickeln.
Imbrechts erklärt, dass ihn Corinnes Stimme an Hope Sandoval von Mazzy Star, eine seiner Lieblingsbands, erinnert. „’Dying Flame‘ wurde an Heiligabend 2016 geschrieben, während sich alle geborgen fühlten, fühlte ich mich allein und ging in mein Zimmer, um Gitarre zu spielen. Innerhalb von 5 Minuten war dieses Lied geschrieben. Ich stellte mir immer eine warme, sanfte Frauenstimme vor, die das Gefühl repräsentierte, das ich in dieser Nacht hatte.“
‚Aura‘ spiegelt den Zustand zwischen Schlaf und Erwachen wider, der den Komponisten zu diesem Song inspiriert hat. „Während meiner dunklen Zeit wurde ich oft durch ein komisches Geräusch aus dem Badezimmer meiner Nachbarn geweckt, gerade als ich nach einer langen Nacht des Wachliegens endlich einschlief. Deshalb habe ich diesen Sound aufgenommen und im Song gesampelt. Es ist das Rückgrat des Songs.“
‚Dear, Utopia‘ ist in Zusammenarbeit mit Adam Bryanbaum Wiltzie (Stars of the Lid / A Winged Victory For The Sullen) entstanden, durch dessen sensible Inszenierung für Imbrechts ein „Traum in Erfüllung ging“. „Als ich dieses Lied in meinem Schlafzimmer schrieb, hätte ich nie gedacht, dass es von einem echten Orchester gespielt wird. Wir schlossen uns zusammen, Wiltzie schrieb alles für das Orchester und der Song war geboren. Es repräsentiert ein Gefühl oder ein Verlangen nach etwas, das nicht mehr existieren kann, nach besseren Zeiten.“ Imbrechts beschreibt die Stimmung als eine „Reise durch Zeit und Landschaft“.
‚Fright‘, wieder mit dem fragilen Gesang von Hannah Corinne, ist „einer meiner Lieblingssongs auf dem Album“, so Imbrechts. Eine leuchtende Kulisse aus Akkorden und Drone-Sounds erhebt sich gespenstisch und driftet wie eine Mündungsflut ein und aus.
Während #3 von einem Kampf mit der Angst inspiriert ist, auf den sich allzu viele beziehen können, ist das allgemeine Gefühl ein Gefühl der Hoffnung – Licht durchdringt den Nebel und Veränderungen treten unerwartet auf. Der Komponist ließ das Werk auch bewusst den Zyklus eines Tages widerspiegeln: Eine raumgreifende, schlaflose Morgendämmerung wird zu einem hoffnungsvollen Morgen, Dunkelheit bringt neue Ängste, die sich in eine andere, mit Hoffnung gefüllte Morgendämmerung verwandeln. Dies wird auch visuell in Form eines begleitenden Films dargestellt, der Szenen isländischer Natur zeigt. Imbrechts ist mit dem Land eng verbunden und durch die wechselnden Farben, Stimmungen und Energien wird das Album perfekt in Bilder gegossen.
Imbrechts hat Schwierigkeiten, seine Gefühle verbal auszudrücken und kommuniziert sie weitgehend instrumental, so dass die Lieder von jedem, der sie hört, persönlich interpretiert werden können. Dieses Album ist nicht nur ein therapeutisches Vehikel für Imbrechts, es soll geteilt werden und ein Lichtblick für diejenigen sein, die ähnlich leiden. Imbrechts möchte, dass der Zuhörer mit dem Album verschmilzt und es dazu führt, sich selbst zu reflektieren.
„Es ist mein eigener ‚Kanal‘, mit der Welt zu kommunizieren, Gefühle auszudrücken. Jeder kann und soll seine eigenen Ideen und Gefühle auf die Musik projizieren. Instrumentalmusik ist kraftvoller als Vokalmusik mit klaren Texten; sie ist viel aussagekräftiger. Ich möchte dies mit der Welt teilen, da ich denke, dass die Menschen über diese Themen sprechen müssen. Es ist nicht leicht, darüber zu reden, aber es hilft.“
